Rob consigue estas ilustraciones maravillosamente con intrincados patrones de afeitar sobre el pelo antes de usar tintes de colores para completar las ilustraciones, mientras forma la imagen de retratos de famosos atletas populares, también ha ejecutado a otros personajes de la cultura popular, incluidos videojuegos y personajes de dibujos animados.

Cuando quiere subir un poco de nivel, añade un toque de pintura para resaltar los aspectos más destacados o añadir un poco de color para llamar la atención y cubrir áreas. Así como los tatuajes son una moda actualmente, los cortes de pelo ilustrados de igual manera suben como la espuma por el momento en Estados Unidos.

Puedes ver más del trabajo de Rob "The original" en su página personal, su canal de Youtube o Instagram.

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Las fotografias se han plagado por todas partes, especialmente por Instagram, algunas más profesionales y serias que otras, los hombres han recogido todo tipo de flores y plantas de colores para adornar su rostro. Una moda un tanto hippie que se remonta a los 70´s con la canción de John Phillips "San Francisco".

Se le puede catalogar como una tendencia muy peculiar, o incluso exclusiva para los inconformistas (hipsters), pero estas fotografías son, sin duda muy divertidas y su proceso de diseño requiere de mucha creatividad y paciencia.
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Dichas palabras son de diversas prendas de ropa que simulan estar cubriendo su cuerpo, técnica que fue inspirada en una de las portadas más recientes de la revista Esquire, la cual muestra el cuerpo desnudo de la modelo Bar Rafaeli, quien tiene escritas en su cuerpo algunas frases célebres del escritor estadounidense de terror Stephen King.

Aunque muchos la han criticado en diferentes medios, según Moiré, su actuación se inspiró en “la teoría de la escritura de la psicología cognitiva”, y era un intento de interrumpir las rutinas diarias o “scripts” que la mayoría de nosotros seguimos sin mucha conciencia de nuestro medio ambiente. Por lo que más de ser una demostración artística, esta presentación sirvió como un experimento para demostrar algunos trastornos del pensamiento liberador y estereotipado.

Durante el viaje de una hora para el evento, Moiré caminaba por la calle, viajó en autobús e hizo fila para comprar un boleto, se hizo fotografías, pero todo su acto fue interrumpido cuando se le ordenó que se colocara ropa o tenía que irse del complejo.

Los anuncios colocados sobre el suelo, escaleras o pasos de cebra, permiten contar una historia y transmitir un mensaje directo y cercano a los consumidores, les agrega humor y diversión, además de que la interacción que ésta les crea, se queda guardada en la memoria.

Sin darse cuenta los peatones muchas veces caminan por campañas de publicidad colocadas en las calles, una tendencia en la publicidad btl que cada vez está más presente en la sociedad.

El suelo es un medio en el cual se pueden hacer anuncios de manera muy económica y es una excelente alternativa para anunciarse en aquellos lugares en los cuales no hay otros medios publicitarios disponibles.​

01. Peanuts Abbey Road en Osaka, Japón

02. Patatas a la francesa en Zurich, Suiza

03. Cremallera en Baltimore, Maryland

04. Rayuela en Baltimore, Maryland, EUA

05. Arcoiris en Vancouver, Canada

06. 3D en Kyrgzstan

07. Alfombra roja cruce de peatones en Montreal, Canadá

08. Condón texturizado en Bélgica

09. Sardinas de colores

10. Hombres gigantes en Rusia

El diseño de estas casas veraniegas es minimalista, ya que el estilo arquitectónico lo permite, pues sus paredes lisas y simples van muy acorde con los paneles armables.

Lo mejor de esta tendencia iniciada por Jonas Wagell es que cada una de las partes y piezas utilizadas en estas casas prefabricadas se componen de módulos que pueden ser fácilmente reciclables y hasta, ser quemados sin contaminar el medio ambiente.

A continuación algunos ejemplos de estas casas minimalistas que se fabrican en 2 dias.

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Esta lámpara-nube es controlada remotamente y utiliza sensores para detectar la presencia de los usuarios y crear un pequeño espectáculo de truenos y relámpagos.

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Clarkson asegura que la lámpara cuenta con un potente sistema de altavoces con el que el usuario puede transmitir música a través de cualquier dispositivo compatible con Bluetooth.

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La nube cambia y se adapta al color y brillo deseado. Además cuenta con modos alternativos, como uno reactivo de luz nocturna y la música.​

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Nuestro concepto está inspirado en una cueva primitiva, el interior reactiva la atmósfera de las clásicas barberías en las que la conexión entre el cliente, el entorno y otras actividades se fortalece.

Mobiliario café y negro, de piel o madera, espejos circulares y una iluminación cálida que cae sobre las paredes de concreto pulido y granito conforman el varonil espacio.

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Se premiaron un total de nueve productos, pero en totalidad participaron 28 diseños cuyas aportaciones se reparte en las diferentes industrias, como la informática, los electrodomésticos, el bienestar personal o el cuidado del medio ambiente.

Algunos de los diseños participantes sobresalen más que otros, inclusive algunos que no ganaron el Oro. Para apreciar como éstos nuevos diseños funcionan e impactan de manera directa en la vida social en el ámbito mundial, a continuación te presentamos cuatro casos:

01. CENTRAL PARK CONSERVANCY RECEPTACLES

Se colocaron tres cubos diferentes de basura en Central Park de NY cuyo diseño era agradable e invitaba de manera explicativa a que las personas no tiraran basura y apoyaran el reciclaje. El resultado: 30% menos de basura dentro de las instalaciones.
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02. NEST LEARNING THERMOSTAT

El Nest Learning es un termostato programable que recuerda el horario típico de sus usuarios y se adapta con el tiempo a sus gustos dentro del hogar.

03. G-STAR RAW

Una línea de ropa que es elaborada enteramente de plástico recolectado del fondo del mar, esto beneficia tanto al cuidado de los océanos, así como al del medio ambiente en general, ya que se crean piezas totalmente usables.
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04. PROJECT DANIEL: 3D PRINTING PROSTHETIC ARMS FOR CHILDREN OF WAR-TORN

El resultado es algo perturbador: no sabemos porqué están esos cuerpos ahí, ni qué pretenden. Es una mezcla entre coreografía, estética y una representación teatral. De gran sensibilidad artística, hay algo en estas figuras que nos evoca sentimiento de colectivo humano. Sentimientos a flor de piel.
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Pero, cuando se trata de una súper producción de ciencia ficción y fantasía, ya sea para cine o televisión, actualmente se recurre de inmediato al diseño de producción y los efectos especiales que se agregarán después, ya que todo se planea en pantallas verdes, lo que hace que la mitad o casi el 99% de lo que se aprecia en la pantalla sea diseñado por ordenador y no sea un escenario real, como en todos los casos solo se plantea el escenario "a medias", para luego ser terminado en formato digital.

Los efectos visuales se encargan de dar un realismo positivo a las escenas, por complejas e irreales que éstas sean, como la que se encuentra fuera de este planeta en "Gravity", la infinita soledad que se vive en "The Walking Dead" y las crudas y fuertes peleas que se admiran en "Game of Thrones", el actor es real, pero en ocasiones hasta el vestuario es falso y diseñado por ordenador.

La Vida de Pi

The Walking Dead

Ugly Betty

The Avengers

Anatomía de Grey

Juego de Tronos

Gravity

El Hobbit

The Great Gatsby

Filmada en São Paulo, Caveirão imagina las actividades secretas de la noche de los espíritus de esa ciudad. Inspirado por el lado más oscuro de la cultura popular brasileña, la película de Guilherme Marcondes es un cruce géneros y técnicas. El género fantástico, el musical, el humor y el cine de terror se dan la mano en esta pieza que combina dibujos animados con acción real, animación en 2D y 3D VFX. Esta es la primera película de The Master’s Voice, proyecto sobre historias de fantasmas basado en el folclore urbano.

Caveirão significa literalmente Cráneo Grande. Aparte de abordar obviamente características del personaje principal, el nombre tiene algunas de connotaciones en Brasil. Caveirão es también el apodo que recibe el coche de policía blindado que sube a las colinas donde están las favelas para aterrorizar a los traficantes de droga –y como daños colaterartes, a toda la población que vive allí–.

Por otro lado, se usa la palabra caveira (cráneo) en el lenguaje cotidiano como un adjetivo para algo malo o de mal agüero. Al mismo tiempo, a pesar de la imaginería oscura que lleva consigo, Big Skull suena tan ridículo como un monstruo de dibujos animados Scooby-Doo. Por lo tanto, «esa ironía luego no se perdió cuando elegí Caveirão como el nombre de mi película», explica Guilherme Marcondes.

El proyecto es un esfuerzo internacional donde el live-action, la animación 2D y el sonido se han producido en Brasil por Paranoid BR, Birdo y Anvil FX respectivamente. Autour de Minuit se encargó del 3D y los VFX en Francia, y finalmente Hornet Inc. se hizo cargo de la post-producción en los EE.UU.

1. “Puedo hacerlo mas barato”
   Si puedes hacerlo mas barato, ¿por qué diste un precio mas alto la primera vez? Aunque pueda parecer que eso es justamente lo que el cliente quiere, el bajarse los pantalones a la primera de cambio puede minar la manera que tienen de verte como profesional. No tires tus precios si tienes confianza en tus habilidades.
   
2. “No soy el mejor”
   Puede que no seas el mejor, seguro que hay alguien mejor que tu, siempre lo hay, pero una cosa es que sea verdad y otra que tengas que recalcarlo. Además, seguro que a tu cliente no le gusta oírlo, y de oírlo, prefiere trabajar con el mejor y no contigo.
   
3. “Eehhh, hmmm…”
   Esto no es exactamente una frase, pero hmmm y eeehhhh pueden matar una conversación. Si tus dotes oratorias son un problema para ti, busca algún curso de conversación o practica delante de un espejo, tan importante es lo que vendes como la forma de venderlo.
   
4. “Esto es algo complementario que hago además de mi trabajo”
   Puede que sea verdad, pero no lo compartas a menos que planees mantenerlo como un trabajo complementario para siempre. Decir que es algo complementario es equivalente a poco fiable y la gente busca certezas.
   
5. “Trabajo en pijama”
   Puede parecer envidiable, pero normalmente no funciona de esa manera. Algunos clientes no quieren demasiados detalles y otros pueden asociar pijama con conducta poco profesional.
   
6. “No tengo ni idea”
   Habrá muchos momentos en los que no tendrás ni idea. La frase “no tengo ni idea” no es necesariamente mala, mientras no se detenga ahí y se complete con “No tengo ni idea… pero lo investigaré”.
   
7. “Mis precios son flexibles”
   Esta frase podemos asociarla con la frase número 1. ¿Por qué tus precios son flexibles? Si es porque ofreces varios paquetes, puede funcionar. Si son flexibles dependiendo de lo que el cliente puede llegar a pagar o a regatear, por favor, bórrala de tu vocabulario.
   
8. @##|∞¬&&xx***+++##”
   Hay personas a las que no les gusta censurar su lenguaje por nadie ni por nada, incluso, hay clientes a los que no les importa, pero a muchos sí. Si no usarías una palabra en frente de tu abuela, no la uses con un cliente.
   
9. “¿Qué dijo? No lo oí”
   Desarrolla tus habilidades de escucha. Los clientes (y la gente en general) odian tener que repetir las cosas. Escucha cuidadosamente la primera vez y evita hacer varias cosas a la vez cuando hablas con un cliente para centrar tu atención en un solo punto.
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10. “Estuve en una fiesta hasta tarde anoche”
    Tu vida personal es eso, personal. Salvo que tu cliente sea un amigo que conoce tus capacidades, no te arriesgues a perder profesionalidad con frases de este tipo.

Antes de la elaboración de la serie, Brown notó que había una falta de diversidad en las imágenes de belleza, por que ella cree que “es importante mostrar la belleza en todas las formas, todos los tamaños, todos los colores”.

Por tal razón diseñó y creó la serie "Dark Girls", en donde las ilustraciones fueron extraídas utilizando lápiz, tinta y acuarela. Las ilustraciones se inspiraron en las cartas de los rostros utilizados por las empresas de cosméticos que cuentan con retratos femeninos en los tonos de piel, tanto oscuros y claros.

Las ilustraciones se acompañan también de las herramientas de maquillaje reales que pueden ayudar a alcanzar y copiar la gama de colores del look en los dibujos. Una ingeniosa manera de mostrar la belleza en forma de catálogo y fomentar la aceptación y divulgación de la belleza en todas sus gamas.

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Cada cuatro años, cuando se aproxima la fecha, las marcas más importantes del planeta crean anuncios de televisión para competir por la atención de los aproximadamente mil millones de personas que se espera sintonicen el evento titular del fútbol internacional.

Haciendo una recapitulación de publicidad creativa, éstos son los cinco anuncios que más han llamado nuestra atención hasta el momento, pero, aún se espera más publicidad durante los próximos días ya empezado el torneo.

01. Beats by Dr Dre

Relatando el detrás de escenas en los preparativos de los jugadores de todo el mundo, también hay cameos de Nicki Minaj, Lil Wayne y Serena Williams, todo al respaldo de "Jungle" por Jamie N Commons & The X Ambassadors. Un anuncio que se podría considerar como "cool".

02. Nike

El anuncio de Nike es mucho más atractivo y memorable que el otras marcas deportivas. Una historia surrealista de un partido local de Domingo que se transforma poco a poco en una batalla épica en un estadio. El diseño de producción es bastante atractivo y es complementario para hacer sonreír al público.

03. Coca-Cola

La campaña de Coca-Cola se basa en el tema "La Copa del Mundo" y se centra en la forma en que el fútbol une a las personas para el bien social. El anuncio cuenta la historia de cómo el deporte ha ayudado a las personas a superar las tensiones y dificultades en Europa del Este, el Amazonas y Palestina. Lo cual es bueno.

04. McDonald’s

Dejando fuera a los grandes nombres del fútbol, McDonald utiliza personas reales de la calle, desde niños a madres, y crea tiros de gol utilizando la técnica de animación CGI, aunque ellos lo nieguen.

05. Adidas

No fue suficiente para que el anuncio de Adidas contara con algunos de los mejores jugadores del mundo, como Lionel Messi, Luis Suárez y Dani Alves. Ellos también se las arreglaron para conseguir una nueva canción del rapero Kanye West – su primera en más de un año – además de ofrecer un vistazo a la nueva pelota de la Copa del Mundo.

Creo que los personajes de mis cuadros son como cascarones vacíos en los que el espectador puede proyectarse. El humor y las historias en las pinturas son los aspectos que están más cerca del corazón de su contenido. La naturaleza del personaje está sujeta a las nociones de identidad sugerida en elementos del paisaje tan metafóricos como sus estados psicológicos, lugares que parecen ajustarse a las tragedias personales del sujeto.

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El uso de esta forma de trabajo cada vez es más común, al público le resulta atractivo jugar con el sentido de la vista y poner a prueba su destreza mental, en un método tan creativo que los resultados pueden ser aturdidores.

Un buen aprovechamiento del espacio negativo se hace escogiendo los colores adecuados, la tipografía correcta, las sombras, degradados y las formas perfectas. Un buen diseño es aquel que además de transmitir un mensaje claro visto con una obviedad, capta de una forma más profunda el concepto, dando un segundo mensaje o varios, aprovechando todos los espacios dentro del diseño.

​​​01. Alexander Johnson

02. Tang Yau Hoong

03. Shigeo Fukada

04. Malika Favre

05. Flying far, far away

06. Simon C. Page

07. Olly Moss

08. Fiat

09. Noche vs Día

10. Fedex

11. Glad

12. Loew-SSP3

13. Coro de la Naturaleza

14. Harvey Esparcia

Estos trajes de baño no fueron diseñados para ocultar las cicatrices quirúrgicas, sino que las exponen, animando a las sobrevivientes a sentirse orgullosas de su cuerpo y no avergonzarse por ello.

"Creemos que el enfoque actual sobre el la reconstrucción de pecho después de la mastectomía como el único camino hacia una vida plena es una forma obsesiva física y de aceptación nuevamente por parte de toda mujer", escribieron dentro de la página web del proyecto. "Queremos incitar a una auto-imagen positiva de las mujeres en el período de operación y demostrar que se puede ser todo, bella y sexy, incluso con una sola mama o sin pechos".

"Nuestro otro objetivo es profundizar en el tabú social que restringe sobre lo que se considera apropiado y aceptado ante las miradas, exponer algo que no está allí. Al ver un pecho expuesto se considera la desnudez, pero ¿por qué el expononer a una mujer sin seno también considera desnudez?".

Para saber más sobre el proyecto, visita el sitio web.
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Se trata de una bicicleta cuyo estilo se destaca por ser de las pequeñas para hacer acrobacias. Esta bici tiene un ligero detalle, su material. Oro puro cubre 100% este diseño y gracias al material con el que se hizo alcanza la suma de 1 millón de dólares, debido a todos los quilates que tiene por encima.

Después de ver la patineta de oro ya nada impresiona a los deportistas urbanos. Traída a la realidad por The House of Solid Gold, presenta esta bici se hace llamar la "24K Gold Extreme Mountain Bike" y están hechas de oro sólido.

La bicicleta fue creada a mano y cubierta de este brillante y caro oro, además de los logos que viene puestos en ella representando THSG más algunos detalles hechos con incrustaciones de diamantes negros, blancos y zafiros como el termo. Además de otros detalles personalizados que le dan más lujo como el asiento hecho a la medida y con piel de cocodrilo y el porta botella también cubierto con oro.
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A continuación te dejamos con los 10 diseños de USB más creativos.
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Con una altura de 34.76 metros, la torre fue oficialmente registrada en el libro Guinness de los Récords Mundiales, así como por la tienda de LEGO en Budapest el 25 de mayo.

La torre fue construida frente a la famosa e icónica Basílica de San Esteban de la ciudad y se hizo con cientos de miles de piezas de LEGO de colores, y justamente sobre la punta de la torre se colocó un cubo Rubik para acabar la obra.

Con una estructura lineal que destaca por el brillo de los colores de los ladrillos, para los habitantes de la ciudad fue un orgullo construir esta pieza de arte que no sólo fue para el récord, sino para sumar atractivos turísticos a Budapest.

Cuando se le preguntó sobre la razón detrás de este proyecto, el alcalde Antal Rogan explicó: "Se trata de un obelisco moderno detrás de nosotros, muestra que con muchos conocimientos en ingeniería, en minutos y con cuidado podemos llamar la atención sobre el hecho de que esta es una de las plazas más bellas de Budapest".
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Como parte de su campaña "Friendly Twist", el gigante de los refrescos llenó un refrigerador en un campus universitario con estas botellas que necesitaban de dos personas para poder ser abiertas. Si un estudiante trata de abrir la botella por si solo, él o ella lo encontrará imposible.

Todo consiste en un nuevo diseño de taparrosca que necesita entrelazarse a otra para poder dar vuelta a la tapa y así abrir el producto y disfrutarlo, de tal manera que al hacer esto, la interacción entre los desconocidos se da de inmediato. Los estudiantes tenían que acercarse entre sí y trabajar juntos para desbloquear el enclavamiento de las tapas de botellas especialmente diseñadas.

A través de esta simple acción, se fomenta la interacción entre los estudiantes, lo que ayuda a romper el hielo en lo que normalmente sería un primer día nervioso de escuela.

A través de esta muestra las dos artistas se rinden homenaje mutuo, por un lado Miss Van presenta varios lienzos inspirados en Olek mientras esta exhibe fotografías con arte textil y modelos inspirados en el trabajo de Miss Van.
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Le interesan los temas banales, gente corriente, y siempre usa la luz natural en sus fotos, aunque desde hace un par de años está añadiendo elementos tecnológicos en sus composiciones. Su amplia visión y la forma gráfica de sus fotografías son las cualidades y la fuerza de su obra.
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La sociedad ha vuelto la mirada a cientos de casos de violencia intrafamiliar o de bullying que han surgido en los últimos años y que verdaderamente han horrorizado y con esta campaña, Johnson busca que nos detengamos a reflexionar, ya que antes de la violencia física, el problema surge con un abuso verbal.

Las fotografías han impactado su dureza, pero el fotógrafo busca que sean tomadas más en serio esas prácticas de abuso verbal, que pueden terminar en violencia física e incluso la muerte.

Aunque en varios países se han implementado programas que eviten la violencia intrafamiliar y el bullying, estas no han sido suficientes, cada día se presentan nuevos casos. A continuación te mostramos las imágenes en las que se incluyen palabras asociadas con el abuso, como "estúpido", "basura", "niñita", entre otras.

La crítica siempre ha terminado por rendirse a Ballen, a su fotografía abstracta, profundamente sociológica, distorsionada y oscura. Con ella, plagada de extraños e inquietantes bodegones, de extraños retratos y de verdades incómodas acerca de la mente y la condición humana, la fotografía de Ballen llega a nosotros sin concesiones ni aditivos y disparando directamente a las entrañas, dejándonos con la profunda sensación del desasosiego de no entender demasiado. Pero ¿quién se atreve a decir que el arte tiene que ser siempre amable?

Para entender mejor a Ballen, os dejamos con algunas de sus reflexiones:

Mi trabajo tiene una orientación muy psicológica. La gente mira mis fotos con detenimiento y un comentario común es que tratan sobre la oscuridad. Mi comentario es que para poder ver la luz necesitas entender la oscuridad, así que si ves oscuridad y las fotos te están de alguna manera molestando, probablemente sea algo bueno…

Yo no diría que la condición humana es buena, desearía decirlo. No diría que soy un pesimista pero no confío en la bondad por naturaleza de la humanidad.

No, no hago fotos con un propósito, las hago para mí, no estoy ahí para hacer declaraciones políticas, mi trabajo es puramente psicológico. No hago fotos para cambiar el mundo, para mostrar lo bueno que hubiera podido ser. Hago fotos para mostrar el reflejo de mí mismo…

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Antes era imposible imaginar la comunicación a través de diferentes dispositivos móviles, a larga distancia y en tiempo real, pero el mundo que actualmente se conoce podría desaparecen en un par de años, así como el VHS desapareció hace algunos años, lo mismo podría pasar con los DVD.

Un mundo que antes era inimaginable en 20 años o menos puede volverse realidad. Para conocer algunos de los avances que podrían cambiar el rumbo del diseño y de la tecnología, a continuación te presentamos diez conceptos que cambiarán de una manera impresionante la vida, pronosticados a estar disponibles antes del 2030, es decir en solo 16 años:

1. Agua potable de mar: el proceso de desalinización a gran escala será algo común en el año 2030.
2. Eco-innovación: a medida los recursos del planeta Tierra se acaban, surgirán nuevas técnicas que buscan innovar de manera ecológica y sostenible.
3. Asistentes con inteligencia artificial: dispositivos que ayuden a recordar y organizarnos de manera eficiente y humana será algo muy común en un futuro cercano.
4. Animales virtuales: aún no somos capaces de emular la inteligencia humana, pero los más simples ya se pueden reproducir tecnológicamente.
5. Ordenadores invisibles: los ordenadores buscan ser diseñados cada vez más pequeños y pronto se introducirán en la ropa e incluso en el cuerpo.
6. Fábricas caseras: ya es posible tener una impresora 3D, pero en menos de dos décadas podrá fabricar desde la comodidad del hogar todos los productos que se necesiten gracias a tecnologías punteras.
7. Carne sintética: las innovaciones en biotecnología podrían llevar pronto a la creación de carne dentro del laboratorio sin matar animales.
8. Robots militares autónomos: aunque la idea de miedo, esto podría ser una realidad, al estilo de una película futurista, ya existen una multitud de armas y aparatos militares que "funcionan solos".
9. Intervención antienvejecimiento: la ciencia ya sabe disimular los signos de la edad, pero en unos años es probable que se pueda frenar el envejecimiento.
10. Internet interplanetario: actualmente su utilidad es nula, pero cuando comiencen los viajes interplanetarios será más que necesario.

Centrándonos en el diseño, te presentamos algunos momentos históricos en donde el cine ha hecho de las suyas y juega a su manera creativa al presentar diseños excepcionales, en donde el diseñador gráfico y digital transforman la cinematografía, desde leyendas como Saul Bass, juegos tipográficos y animaciones que van del 2D al 3D.

1. Los mejores créditos de apertura: North by North West

El diseñador gráfico Saul Bass fue que por excelencia quién cambió el rumbo de las películas. Desde su llegada al cine en los años 50s, lo estático desapareció y los créditos iniciales eran un juego por separado y esperado por el público. En "North by North West" los títulos son llevados a la vida mientras se deslizan hacia arriba y abajo de la pantalla, imitando ascensores, Bass inventó un nuevo tipo de tipografía cinética de la mano de Hitchcock, quienes inspiraron a muchos otros diseñadores, por lo que su trabajo es significativo y recordado por todos.

2. Mejor cartel: Nymphomanic

Alabado por la crítica como el mejor cartel del 2013 y el mejor en muchos años por su juego de diseño con los signos. Además de eso, la serie completa de carteles mantienen una personalidad propia pero al mismo tiempo se unifican por una estética. El primer diseño del cartel es de 100% tipográfico, la posición audaz de los paréntesis, sin duda hace que se destaque de sus competidores. El moderno tipo de letra serif crea un aspecto general limpio y ofrece la sensación de observar una pieza elegante sin la necesidad de ser demasiado explícito.

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3. Mejor uso tipográfico en el cine: Scott Pilgrim Vs The World

Dentro de esta película el diseño juega un papel muy importante, ya que no pasa a ser un elemento secundario, sino que es una pieza clave para el desarrollo de la historia y de la personalidad de los personajes. El director Edgar Wright crea una fuente cinética que le es fiel a la novela gráfica de Bryan Lee O’Malley. La tipografía aparece y desaparece dentro de las escenas sin estorbar los alrededores, se acompaña de efectos de sonido e interactua con el desarrollo de la trama.

4. Mejor campaña integrada: El lobo de Wall Street

Desde el cuidado de la fotografía, la creación de espacios en formato digital, los carteles y la selección de colores promocionales, la última pieza de Scorsese triunfa por su integración general y cuidado de diseño en una época donde lo llamativo y exagerado predomina, como es en el caso de El gran Gatsby. Los colores amarillo y negro remiten de inmediato al peligro y lo prohibido, mientras que su tipografía DIN hace referencia a lo corporativo y el mundo ejecutivo. Una película que confía en el diseño gráfico.

5. Mejor tratamiento gráfico: A Scanner Darkly

Esta película de Richard Linklater muestra uno de los usos más memorables de diseño en el cine. La técnica se suma a la oscuridad de la película, hace referencia la mundo cruel de los cómics y a la inocencia de las caricaturas. Fue filmada digitalmente y luego fue trasladada a un proceso de edición durante 15 meses de animación llamada rotoscopia interpolada. Este estilo de animación 2D combina líneas negras gruesas con formas de color sólido para crear una imagen realista. Muchas películas han utilizado esta técnica, Walt Disney la utilizó en Blancanieves y los siete enanos.

Cada vez es mayor la posibilidad de crear eso que alguna vez has soñado, con un diseño único personalizado por ti.

Por tal motivo, para que te adentres a este mundo de diseño de productos a través de internet y te lleguen tal cual lo visualizaste, aquí te presentamos cinco grandes maneras de jugar, diseñar y hacer realidad un producto:

1. Diseña tus propios muebles

La marca minorista de muebles de origen sueco IKEA ha creado un gran servicio en línea que permite diseñar y personalizar una cocina entera, un baño o diversos muebles.

La página que se diseñó para ofrecer este tipo de servicios, contiene diferentes plantillas, por ejemplo el baño se edita al gusto y se adapta a las plantillas, mientras que la cocina si se diseña desde cero, tomando en cuenta las medidas del espacio y la forma de la habitación, el lugar de los electrodomésticos también es personalizable.

Una vez que se esté satisfecho con el diseño, sólo se tiene que guardar en el servidor de IKEA y entonces se puede recoger todo lo que se necesita en la tienda.

2. Diseña tus propios tenis

Bajo el nombre de Nike iD, es un servicio que permite crear por uno mismo el par de zapatos Nike deseado.

El servicio ofrece una amplia gama de opciones de personalización, existe la posibilidad de cambiar la plantilla del diseño para la coloración, forro, e incluso la suela del zapato. La parte más popular de este servicio es la posibilidad de agregar la propia etiqueta en el talón, lo que los hace aún más personal.

3. Diseña tu propio coche

Los fabricantes de automóviles de lujo Bugatti han llevado la personalización al extremo al permitir crear el propio diseño de coche de una plantilla.

Las opciones de personalización incluyen la capacidad para personalizar el color de cada componente, de la costura de los cinturones de seguridad, personalizar las tapas de combustible y aceite. Además, se puede cambiar los elementos más técnicos, como el tipo de llantas para que coincida con las necesidades de conducción.
Finalmente el diseño se guarda y se ordena si se desea comprar, así de sencillo y rápido, solo es cuestión de pensarlo.

4. Diseña tu propio libro

Con Blurb cualquiera puede producir su propio libro sin la necesidad de ser un experto editor, aunque sea de solo fotografías.

Sea cual sea tu nivel de experiencia en diseño, Blurb tiene las herramientas para adaptarse a todas las necesidades. los principiantes pueden comenzar con una plantilla y luego añadir sus propias fotos, imágenes y texto. Si se es un experto InDesign, se puede descargar un plug-in especial que hace que el diseño del libro se adapte a los parámetros correctos utilizando una plantilla.
También se puede elegir qué tipo de papel se desea en su libro impreso, si desea que la portada sea dura o blanda, e incluso el color de las hojas finales.

5. Diseña tu propia tipografía

FontStruct es un programa de construcción de fuentes en línea, creado por FontShop, hace que sea fácil diseñar las formas de las letras con figuras geométricas básicas como cuadrados, triángulos y elipses.

Las fuentes que se crean luego se pueden convertir en un archivo ttf., que se puede descargar e instalar en el propio ordenador, así como compartir con la comunidad FontStruct si se desea.

Totalmente diseñados de manera única y realizados a mano, van Wolferen es famosa en su tierra natal por utilizar materiales orgánicos, como cartón que se encuentra en las calles o que recolecta de diferentes tiendas o fábricas.

Para su nueva serie de lámparas, la artista creó pequeñas casas que iluminan toda una habitación a través de la luz que sale de las ventanas de las casas diseñadas con materiales reciclados.

Wolferen recientemente abrió la tienda de "Life in Cardboard" en Etsy donde vende estas lámparas de cartón realmente hermosas y meticulosas. "Cuando yo era pequeña, mi madre solía llevar a casa cajas grandes para que yo jugara, me las transformó en casas, oficinas y casas de muñecas. Hoy utilizo cartón para hacer mis animaciones de stop motion y lámparas de cartón".
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Desde estómagos caídos, senos agrandados y piel marcada por las estrías y cicatrices, Beall fotografió a más de 80 mujeres de todas las edades, formas y procedencias raciales e incluso capturó sus historias de cómo el dar a luz y ofrecer vida a alguien cambió por completo su vida.

Con esta serie de fotografías, la artista quiere reflejar y mostrar que estas "imperfecciones" que se crean durante y después del embarazo son completamente normal y parte de un proceso, y no ser vistas como algo negativo y de falta de seguridad, sino al contrario, sentir orgullo de ser madres y que el esfuerzo ha valido la pena.

La inspiración de la artista provino después de fotografiarse a si misma amamantando a su hijo recién nacido, la foto fue publicada y se hizo viral en diversos medios de comunicación, por lo que sintió la necesidad de que otras mujeres hicieran lo mismo y se expresaran.

Otra motivación detrás de su proyecto fue su lucha de por vida con baja autoestima a causa de as cicatrices; fue sólo durante su embarazo cuando ella se sintió agusto con su cuerpo. Sin embargo ella rápidamente volvió a caer en depresión después de dar a luz y se obsesionó con la pérdida de peso.

La serie también es una refutación a la presión sobre las mujeres que se obsesionan con ser delgadas y perfectas, pero la realidad es que las mismas celebridades son criticadas por lo medios al no ser perfectas cuando éstas son la figura ejemplar.

A través de sus imágenes conmovedoras y poderosas, Beall quiere que otras mujeres madres abracen su figura y la acepten, recordarles que todas son hermosos de la manera que son.

Todas las fotografías se incluyen en un libro titulado The Bodies of Mothers que salió a la venta justo el Día de la Madre, 11 de mayo en EUA. Puedes ver más fotografías aquí.
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En el video, las miembros de la banda intentan mantener una cara seria y cantar fluidamente, pero con el aumento les cuesta más trabajo hasta llegar al último coro entre risas, gemidos y canto que provoca el clímax del orgasmo.

Una ejecución simple pero brillante para un concepto atractivo y que sin duda llamará la atención, el diseño de producción es básico, fondo negro para evitar los brillos, la idea del proyecto proviene de la mente del artista Clayton Cubitt y es parte de su proyecto experimental "Hysterical Literatura", el cual ofrece a las mujeres recibir placer al leer los libros.
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Han trabajado con el artista japonés el "fotógrafo Hal", los anuncios espeluznantes cuentan con parejas de la vida real que han sido "conservadas" en bolsas de almacenamiento y envasadas ​​al vacío, lo cual los hace lucir a ambos dentro de un condón gigante.

El fotógrafo Hal explica el concepto en un mini-documental: "Los seres humanos no están completos sólos por sí mismos. Es cuando se juntan, cuando comparten con alguien, es cuando están realmente completos, es por eso que decidí empaquetarlos juntos".

Las parejas resistían alrededor de diez segundos antes de sentirse débiles o encerradas, por lo que se les daba un pequeño descanso antes de volver a empezar. La campaña fue presentada durante la Semana de la Moda de París de este año, lo que ocasionó polémicas sobre el estado de salud de los "embasados".

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En la vida real, la especie se encuentra en rápido declive debido a la pérdida de su ecosistema por el desarrollo humano. Para un mayor cuidado de la naturaleza que rodea a estos osos, el artista francés Paulo Grangeon trabajó con el Fondo Mundial para la Naturaleza, la WWF, PMQ y el estudio creativo AllRightsReserved para elaborar este grupo de pandas que alertan al público sobre la trágica verdad de estos animales.

Cada escultura está hecha de papel reciclado y representa a un único miembro de la especie que hasta la fecha se encuentra con vida, en total son 1.600. Es un poco chocante admirar esta reunión y darse cuenta de que estos son los únicos pandas en el mundo que se encuentran con vida dentro de un estado salvaje. La esperanza es que este gran e impresionante proyecto enamore al público y se extienda la conciencia de esta crisis ambiental.

Los pandas se encuentran actualmente de gira por Hong Kong (los de papel) y ya han viajado a ciudades como París, Roma, Berlín y Taipei. No se detendrán ante 10 puntos más de referencia, incluyendo el Aeropuerto Internacional de Hong Kong y el gigante Tian Tan Buddha que da inicio este mes de junio. Grangeon también creará cuatro pandas de papel de edición especial que se pondrán dentro de una exhibición en PMQ en apoyo de la conservación y promover el mensaje de la convivencia entre los seres humanos y la naturaleza.
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“Si no está roto, entonces no lo arregles”, esa famosa frase hace honor a todos aquellos logotipos que han sido re-diseñados sin justificación o explicación alguna, simplemente por el ocio de modernizarse y encajar dentro del nuevo entorno social.

Sin embargo, hay marcas que con el paso del tiempo sólo han hecho ligeros ajustes sobre su diseño de logo y de branding en general, ya que su esencia y audiencia así los prefiere y los reconoce.

Un diseño de logotipo exitoso es aquel que se reconoce a solo un vistazo, sin siquiera leer el nombre o el emblema, pero incluso algunas de las mejores marcas del mundo les resulta difícil resistirse a hacer una revisión completa de sus logotipos sobre una base regular.

Esto es a menudo la fuerza de la costumbre, una táctica de marketing para transmitir que tiene algo nuevo o que la marca es "todavía relevante" en la era moderna. Algunas marcas lo han logrado con éxito, mientras que otras se han catapultado para siempre en el olvido, o simplemente se sienten obligadas a regresar al original.

He aquí cinco ejemplos de logos que definitivamente no necesitan un rediseño, en su lugar durante décadas, sólo se han ajustado ligeramente y aún crean el mismo impacto que ese primer día de haber visto la luz:

1. Coca Cola

El logotipo de Coca-Cola fue creado en 1885 por Mark Mason Robinson. La tipografía utilizada se llama Spencerian script, que era la fuente popular usada por los contables de la época. El script de Coca-Cola es todavía una de las marcas más reconocidas en el mundo. Con los años el logotipo ha visto cambios menores, pero nada en comparación a la de su principal competidor Pepsi. A diferencia de todos los cambios de Pepsi, hay algo reconfortante en la imagen firme de Coca Cola.

2. Absolut Vodka

La marca de vodka sueca Absolut se estableció por primera vez en 1879 por Lars Olsson Smith. En 1979 se introdujo al mercado mundial con este logotipo icónico que todavía sigue vigente en la actualidad. Sin embargo, aunque el diseño del logotipo permanece intacto, la empresa se ha dedicado constantemente a la creación de nuevos diseños de envases y botellas con un total de 4 millones de botellas únicas vendidas edición limitada..

3. Lyle’s Golden Syrup

En 2007 Tate & Lyle fue confirmada por Guinness World Records como la marca más antigua del mundo. Y uno de sus productos más emblemáticos el Lyle’s Golden Syrup, ha utilizado el mismo diseño de envases en sus latas para casi 130 años. Inventado en 1883, para aquellos que no asistieron a la escuela dominical, el diseño puede parecer un poco peculiar, pero en realidad es una referencia a una historia de la Biblia en la que Sansón estaba viajando en busca de una esposa.

4. Nike

Fue en 1968 cuando Phil Knight funda la marca Nike, cuyo nombre se basaba en la diosa griega de la victoria “Niké”. Pero no fue hasta 1971 cuando adoptó esta denominación. El logotipo, curiosamente, fue desarrollado por una estudiante de diseño gráfico: Carolyn Davidson, la cual presentó su factura por un total de 35 dólares por su trabajo. A medida que pasó el tiempo, el logo “Swoosh” se convirtió en sinónimo de la compañía, a pesar de que la tipografía ha sido rediseñada en dos ocasiones, este símbolo se mantiene intacto.

5. Campbell’s

Nacida 1869, Campbell Soup Company, con su famosa etiqueta de color rojo y blanco, sigue siendo un elemento básico en la cocina americana, la cultura y sus productos se venden en 120 países de todo el mundo.

6. Cadbury

El logotipo de escritura Cadbury se basó originalmente en la firma de William Cadbury (el nieto de John Cadbury), y fue visto por primera vez en la flota de transporte en 1921. El logo inicial era muy delgado y apenas reconocible, fue entonces que se decidió simplificarse y hacerse más audaz en 1961 y çhasta la fecha se ha mantenido fundamentalmente el mismo.

El diseño creativo y funcional en el mobiliario añade comodidad y calidez a las habitaciones y ofrecen un lugar acogedor para la mascota. Aquí está una colección creativa de emocionantes y elegantes muebles para mascotas, ideas de diseño que podrían inspirarte.

Diseñados por artistas creados tanto para los dueños como para las mascotas, sillas, sofás, libreros y cajoneras.
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Una forma peculiar de llevar un poco de verdor al vestir y en la vida en general, estas plantas en macetas miniaturas son adorables a la vista y también servirían como grandes temas de conversación entre los amigos y personas extrañas que muestren un interés.

Las pequeñas macetas, de vivos colores, son creadas digitalmente con un software de modelado antes de ser impresos en 3D en plástico de nylon y funcionan mejor con plantas aéreas. Para todos los amantes de la naturaleza este accesorio se convertirá en un must esta temporada de moda primavera/verano.

Esto es definitivamente una manera inusual para conseguir un poco de aire fresco y atención. Puesdes comprar estas plantas vestibles aquí.
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Al respecto Merry comenta sobre su trabajo: “Bodypaint crea una conexión especial con una persona, más que otras formas de artes visuales que su problema radica en transmitir y llevarse a cabo; es una experiencia netamente humana“, dijo Feliz en su sitio web. “Mi superficie es estar viviendo, respirando de los seres humanos haciendo de este un medio altamente relevante y rápido”

La artista eligió la estructura de un templo para crear conciencia sobre el el abuso de la mujer en ciertas religiones y apoyar la organizaciónBeyond The Four Walls, la cual busca proteger y ayudar a las mujeres en Nepal.

El templo está siendo mostrado en el museo San José dentro de un experimento en co-exposición con la artista Teresa en San José, California. También se puede donar para ayudar a Trina a ir a Nepal para apoyar la causa de la organización a través de aquí.
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Su ascenso al éxito comenzó en 2001, cuando participaron y ganaron un concurso de dibujos animados. Después de haber ganado, recibieron un mes de ejecución de su tira cómica en Politiken, un periódico nacional danés. Su popularidad se disparó con la nueva exposición y pronto se encontrarón publicados en nuevos medios, entre ellos varios blogs y periódicos en toda Alemania y países europeos. Su logro más reciente fue convirtiendo en una banda normal de dibujos animados en el New York Times.

Ahora este dúo tiene una serie de infografías divertidas y profundas tituladas TruthFacts las cuales revelan las verdades acerca de las rutinas y hábitos diarios en la vida.

Algunos ejemplos humorísticos y a la vez tan verdaderos incluyen la propia ruta de navegación a través de los pasillos minimalistas de IKEA, las mentiras más comunes que se dicen en Internet, y lo que alguien realmente quiere decir cuando dice que te ves cansado.

Echa un vistazo a algunas de las infografías abajo y puedes ver más información aquí.

Para ayudarlos, han creado una web donde van subiendo recopilaciones de una duración larga con una serie de cualidades que nos ayudarán a trabajar más adecuadamente y concentrarnos en ese maldito código que no quiere salir ni a la de tres.

Con los ejemplos que te mostramos abajo, no tenemos ninguna duda de que si bien el dibujo puede ser "alto arte", hacerlo sobre la piel, se convierte en algo realmente magnífico. Verdaderas obras de arte que podemos ver en el cuerpo humano, en forma de auténticos cuadros andantes.

En un campo artístico que se está volviendo cada vez más creativo, los dibujos que se destacan utilizan composiciones geométricas complejas, líneas claras, espacios definidos y colores simples.

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Durante 1964, el diseñador gráfico Lou Dorfsman, era el creativo responsable de todos los aspectos de identidad gráfica dentro de la cadena de televisión CBS. Durante 40 años se dedicó a crear el “Gastrotypographicalassemblage”, una instalación de pared "la más grande obra de arte tipográfica moderna del mundo", con la ayuda de su amigo de la Herb Lubalin.

Instalado en una pared en la CBS en Manhattan, este mural de casi 11 metros de largo totalmente tipográfico se compone de 1.650 letras talladas individualmente a mano que detallan docenas de palabras relacionadas con los alimentos, incluyendo expresiones y objetos culinarios.

Cuando el edificio CBS fue vendido en 1989, esta impresionante obra de arte fue descartada sin contemplaciones, pero se salvó de la destrucción por su creador y el diseñador Nick Fasciano, quien lo guardó en un sótano durante 23 años.

Recientemente, el "Gastrotypographicalassemblage" fue sacado del almacenamiento el anonimato y fue instlado dentro del Hudson Valley campus de The Culinary Institute Of America, para que todos los amantes de la tipografía y de los alimentos puedan admirar una vez más, esta instalación única.

Cómo su nombre lo indica, Gas Giant, la instalación provoca que el visitante se sienta en una explosión colorida y etérea al estar hecha de papeles suspendidos en el aire.

La obra es un ejercicio que mezcla la pintura con el collage, en una especie de exploración y abstracción del paisaje a través del color, la repetición, asociación y las capas infinitas de complejidad que caracterizan el trabajo del autor.

La instalación Hashimoto refleja la experiencia humana, es una metáfora de la posibilidad y temporalidad, pues quienes contemplan la instalación pueden presenciar la belleza combinada con un paisaje, pero también encontrarán la idea de la pérdida. También se refleja la intensidad de la labor humana para su creación.

Para crear su obra, Hashimoto se inspiró en la arquitectura sagrada, en la pintura abstracta de la posguerra, el movimiento de Luz y Espacio de los años 60, así como en las obras de la generación de artistas de los 60 de Los Angeles.

La exhibición de la obra estará en el Museum of Contemporary Art Pacific Design Center, en Los Angeles hasta el 8 de junio.
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Las agencias creativas actualmente se preocupan por duplicar sus esfuerzos y salirse de lo común con el fin de asegurarse de que el espectador reciba el mensaje que envían de una maneras totalmente diferente y en espacios comunes pero en los que normalmente no se aprecia publicidad.

Para lograr eso, se han inventado la publicidad ambiental, un método brillante y simple que combina los anuncios con el entorno o de los productos que utilizamos a diario, con creatividad generalmente el mensaje causa impacto y se le da un valor agregado al diseño.

Los anuncios están diseñados para hacernos parar por un segundo, sonreír, pensar, y tal vez tener un poco de diversión. Se utilizan diversas técnicas para captar nuestra atención y tomar ventaja de los elementos existentes del paisaje para sorprendernos con la inteligencia y el talento.

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Designers: Yuan-Sung Hsiao, Yuko Ochiai, Jia-Wei Liu, & Hung-Lin Hsieh.

Tan sólo conocido como Harvezt y con su perfil en Flickr, ha creado una serie para los amantes de la música al coger las clásicas portadas que se convierten en iconos e imágenes de la cultura mundial, fotografías, diseños, lugares, paisajes y arte con valor histórico.

Bajo el nombre de "The Dark Side Of The Covers", con imaginación y creatividad nos muestra lo que no nos han dejado ver en varios años; el resultado es muy interesante.
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Un trabajo muy bien realizado con un resultado perturbador.
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Pues bien, el estudio de arquitectura Transsolar & Tetsuo Kondo Architects, ha sido capaz de recrear en un único espacio un lugar dónde las nubes se encuentran atrapadas para nuestro gozo y disfrute. A través de diferentes paseos los visitantes podrán sentarse, tocar e incluso manipular una nube creada de manera artificial a semejanza de las que vemos en el cielo. Las nebulosas que podemos observar en continuo cambio, ofrecen además la posibilidad de interactuación tanto desde abajo, arriba como desde dentro, a estos dos últimos estados se accede mediante una original escalera. El proyecto, llamado Cloudscapes está ubicado en Venecia y promete una experiencia única para quienes se acerquen a visitarlo.
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Cosmos, de Lievore Altherr Molina; Set, de Xuclà; Suite, de Jordi Vilardell y Meritxell Vidal; y Wireflow, de Arik Levy. Lámparas y sistemas de iluminación contemporáneos que se ajustan a múltiples interiores.

Su obra es un estudio del ser humano, sus conflictos, su naturaleza y su existencia. Utilizando los medios que ofrece el retrato, la obra de Biojo indaga en las emociones ocultas que se esconden tras la mirada, haciéndonos participar de la obra al ser igualmente observados por el retratado. De esta manera, se introduce el valor del tiempo, que pone de manifiesto conceptos inherentes al ser humano como la creación y la destrucción, lo perecedero y efímero.

Veremos como, con sus músicas nos introducen a lo que será la película, ayudan a sumergirnos, nos dan una pista de lo que vamos a ver, una comedia, policíaca, de misterio, de amor, triste, melancólica, de aventuras.

Psicosis, Bernard Herrman, Alfred Hitchcock, 1960

La Pantera Rosa, Henri Mancini, Blake Edwards, 1963

James Bond: Goldfinger, Shirley Bassey, Guy Hamilton 1964

Por un puñado de dólares, Ennio Morricone, Sergio Leone, 1965

Barry Lyndon, "Sarabande", Georg Friedrich Haendel, Stanley Kubrick, 1975

Blade Runner, Vangelis, Ridley Scott, 1982

Eduardo Manostijeras, Danny Elfman, Tim Burton, 1990

Reservoir Dogs, "Little Green Bag", Jan Visser y George Baker, Quentin Tarantino, 1992

American Beauty, Thomas Newman, Sam Mendes, 1999

Tron: Legacy, Daft Punk, Joseph Kosinski, 2010

Mision Imposible, Lalo Schifrin, Bruce Geller, 1966

Twin Peaks, Angelo Badalamenti, David Lynch, 1990

Para un par de hermanas en California esto no solo presentó un reto sino que se convirtió en una gran oportunidad. Así es como nace Foodie Dice, un set de dados de madera en los que te puedes basar para cocinar una comida o como idea inicial para crear un plato completamente original. Lo puedes conseguir por 27 €.

El set consta de 9 dados diferentes que indican qué y cómo cocinarlo. Algunas de las alternativas son platos sencillos y básicos mientras que otros te invitan a ser más arriesgado y experimentar. A manera de juego, tipo cubilete, los dados te ayudarán a cambiar los difíciles y complicados libros de cocina y cambiar tus viejos menús y descubrir nuevos sabores.

Con cerca de 186.000 combinaciones posibles, los dados son una fácil solución a la tan temida pregunta... ¿Qué hay de comer hoy?
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​Recopilación de las 20 fotografías más famosas de la historia. Imágenes que marcaron los sucesos mas importantes de nuestro mundo, recuerdos de lo que no deseamos que vuelva a ocurrir o la primera fotografía de la historia, son algunos de los ejemplos que os mostramos. Gracias a esos fotógrafos que captaron el momento, conservamos estos archivos que quedarán marcados para la posteridad.
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Almuerzo en lo alto de un rascacielos, 1932. Fotografía de Charles C. Ebbets.
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Fuego en la calle Marlborough, 1975. Fotografía de Stanley J. Forman.
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Monstruo del Lago Ness, 1934. Fotografía de Ian Wetherell.
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Plaza de Tiananmen, 1989. Fotografía de Stuart Franklin Magnum.
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Bandera Sovietica en el Reichstag, 1945. Fotografía de Yevgeny Khaldei.
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Nagasaki, 1945. Fotografía del archivo de la U.S. Air Force.
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Albert Einstein, 1951. Fotografía de Arthur Sasse.
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2pac antes de ser disparado, Las Vegas, 1996.
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Hitler en París, 1940. Fotografía de la colección Heinrich Hoffman.
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Alzando la bandera en Iwo Jima, 1945. Fotografía de Joe Rosenthal.
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El beso en el Hotel de Ville, Paris, 1950. Fotografía de Robert Doisneau.
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Muhammad Ali vs Sonny Liston, 1965. Fotografía de Donald L. Robinson.
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La niña afgana, 1985. Fotografía de Steve McCurry.
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Omaha Beach, Normandía, Francia, 1944. Fotografía de Robert Capa.
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Muerte de un miliciano, España, 1936. Fotografía de Robert Capa.
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Conrad Schumann, Berlin, 1961. Fotografía de Peter Leibing.
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La fuerza de uno, 2007. Fotografía de Oded Balilty.
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Che Guevara, 1960. Fotografía de Alberto Korda.
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La primera fotografía de la historia, 1826. Fotografía de Nicéphore Niépce.
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Según el medio Feature Shoot, Jamieson inicialmente estaba sumamente frustrado de no estar "contribuyendo con nada nuevo a la cobertura del conflicto vivido en Ucrania" en la protesta de la Plaza Maidan. Entonces decidió voltear su atención a las armas utilizadas por los manifestantes, las cuales eran realizadas por éstos mismos con los recursos a su alcance.

Al respeto de su trabajo él dijo: "En realidad, fue en los dos últimos días de las protestas en los que decidí centrarme exclusivamente en las armas y completamente eliminarlas del fondo caótico de lo que estaba pasando alrededor de la plaza Maidan."

Con la ayuda de un asistente, instalaron un estudio improvisado y capturaron las armas amenazantes contra un telón de fondo negro, ya que los propietarios se aferran a sus armas, por lo que se decidió robarlas y ocultarlas.

Algunas imágenes muestran armas como palos y horcas, mientras que otras se muestran más siniestras, como un bate con clavos oxidados y torcidos que salen de la punta y un bastón con cuchillas dentadas. Armas que se asemejan a objetos inspirados en culturas orientales de combate, como las japonesas.

Este fotógrafo reside en la ciudad de Hamburgo, Alemania y es representado por Preview. Morbach es especialista en fotografía editorial, de moda, retratos y "beauty".

Tras colaborar con los mejores colegas en su área, decidió comenzar su carrera en solitario. Su decisión valió la pena, tal y como lo demuestran sus imágenes.

Se caracteriza por una composición visual elegante y provocadora; mismas características que le ha valido el reconocimiento internacional y por lo tanto ha colaborado en las mejores editoriales.

Aquí te mostramos parte de su trabajo, pero puedes ver más en su sitio web y seguirlo por Twitter, porque estamos seguros de que te encantará su estilo.
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En cuanto a por qué este peculiar fenómeno de diseñar estas tapas, la cosa apunta a un burócrata de alto rango en el ministerio de la construcción que en 1985, se le ocurrió la idea de permitir a los municipios diseñar sus propias tapas de alcantarilla. Su objetivo era dar a conocer los costosos proyectos de alcantarillado y hacerlos más apetecibles para el contribuyente.

"Un lento y surrealista vídeo como presentación de personajes de pesadilla, grotescos y aparentemente estáticos."

Habiendo dicho esto, el encontrar la hamburguesa perfecta es una sensación que no tiene igual. Es por eso que Mathew Ramsay, productor de videos pero cocinero de corazón, lanzó la página web pornburger. Un sitio en el que semana a semana comparte creaciones únicas e inesperadas.

Todo empezó como un reto que se impuso a sí mismo en el que durante un año completo pretende crear hamburguesas fuera de lo común, como "The Bambi", elaborada con carne de venado sazonada, queso Telleggio, betabel y jamón asado todo dentro de dos rebanadas de pan tipo kaiser.

"Busco un mundo en el que los pervertidos por las hamburguesas se sientan libres consigo mismos".

Además de producir videos, Ramsey es fotógrafo profesional, la obra maestra final queda perfectamente capturada en todo su esplendor en las imágenes que comparte en la página.

Ya lo dice John Waters: "sólo hay una cosa peor que un censor, y es un censor listo". Porque, a la hora de mutilar una película, el censor tonto se conformará con una calificación vetada a menores, con el consabido tijeretazo a su metraje o, en el peor de los casos, con prohibirla. Ahora bien: un guardián de la moral pública con dos dedos de frente se dará cuenta de que el cine no se acaba en la pantalla, y que un contenido potencialmente ofensivo puede acechar en otros lugares. Los carteles, por ejemplo.

Todos los pósters que os mostramos a continuación han sido mutilados, prohibidos y censurados de las formas más variopintas y por los motivos más peregrinos, demostrándonos (una vez más) que la estupidez de algunos no conoce límites. Compruébalo en la recopilación de carteles que nos ofrece Yago García desde Cine Manía.

1. Los hombres que no amaban... (D. Fincher, 2011)

Censurado: Virtualmente, en todo el mundo.

¿Por qué fue censurado? Comenzamos a lo grande, con el cartel de un filme que ni siquiera se ha estrenado. El director de El club de la lucha y La red social amenazó con que Rooney Mara aparecería en topless en el póster de su versión de Millennium... Y lo cumplió, causando una pequeña gran polémica por culpa de un solitario pezón.

Las consecuencias: Los distribuidores editaron otro póster, en el que la fecha de estreno del filme tapaba el pezón de la discordia.

2. Saw II (D. L. Bousman, 2005)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? La MPAA (Motion Picture Association of America) no es sólo la entidad que impone las calificaciones por edades a las películas en EE UU, sino también la que da el visto bueno a los carteles de cine. Una de sus muchas 'víctimas' fue el teaser poster de la segunda entrega del asesino Puzzle, calificado de "inaceptable". Es de señalar que, en el mundo anglosajón, enseñarle a alguien dos dedos levantados es un gesto equivalente a un corte de manga.

Las consecuencias: En EE UU, el póster fue cambiado por... un zoom sobre los dedos, omitiendo así el detalle de que estos estaban amputados. En otros países (como España), la edición dvd del filme lució un bonito cartel de "Censurado".

3. Sexo en Nueva York 2 (M. P. King, 2010)

Censurado: Las ciudades de Jerusalén y Petah Tikva (Israel).

¿Por qué fue censurado? Los reparos de las autoridades israelíes hacia este cartel no tuvieron nada que ver con el vestidito de Sarah Jessica Parker, ni con sus 'manolos', ni siquiera con la calidad de la película, que ya es decir. El motivo de la discordia fue la palabra "sexo" del título, que a juicio de los munícipes podría haber ofendido a los judíos ultraortodoxos.

Las consecuencias: "Quitarle el 'sexo' a Sexo en NY es como quitarle la 'coca' a la Coca Cola", protestaron los distribuidores locales de la película, pero no les sirvió de nada.

4. El retorno de los malditos (M. Weisz, 2007)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? La secuela de Las colinas tienen ojos (versión remakeada) tuvo sus apuros en EE UU. Según la MPAA, la visión de esa mano saliendo del saco y arañando la arena del desierto daba a entender que la víctima de turno estaba viva, con lo que podía resultar perturbadora para los viandantes más sensibles. Uy, qué miedo...

Las consecuencias: El póster exhibido en Estados Unidos fue, literalmente, vuelto del revés: en lugar de una mano, pasaron a asomarse un par de piernas mucho menos terroríficas.

5. Camino a Guantánamo (M. Winterbottom, M. Whitecross, 2006)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? Con la política hemos topado, amigos: el documental de Michael Winterbottom sobre la prisión en la que fueron recluídos los -supuestos- miembros de Al Qaeda mostraba la imagen de un preso con una bolsa en la cabeza, una técnica de interrogación empleada tanto en dicho centro como en la cárcel iraquí de Abu Ghraib por las tropas estadounidenses. En palabras de los censores, dicho cartel violaba una norma (no escrita) que prohibe a los carteles de cine mostrar "escenas de tortura".

Las consecuencias: De nuevo, se recurrió al casto truco de la ampliación: el cartel estadounidense del filme sólo muestra las muñecas encadenadas del prisionero.

6. Ali G. anda suelto (M. Mylod, 2002)

Censurado: Reino Unido.

¿Por qué fue censurado? Básicamente, porque Sacha Baron Cohen no es precisamente el rey de la sutileza, como puede verse en la imagen. En honor a la verdad, hemos de decir que la ASA (entidad que regula los materiales publicitarios en Gran Bretaña) afirmó haber tomado medidas contra este cartel sólo trasrecibir más de 100 quejas de padres, educadores y otros ciudadanos indignados.

Las consecuencias: Por lo pronto, que el creador de Borat y Brüno consiguió un buen empujón publicitario para su película.

7. ¿Hacemos una porno? (Kevin Smith, 2008)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? Al igual que el filme al que promociona, el cartel de Hacemos una porno pretende ser escandaloso y se queda en un chiste tirando a ñoño con sus insinuaciones de sexo oral entre Seth Rogen y Elizabeth Banks. Las cabezas 'pensantes' de la MPAA no lo vieron así, y lo retiraron fulminantemente de la circulación en Estados Unidos.

Las consecuencias: Siempre cachondo, Kevin Smith aprovechó la polémica y encasquetó un nuevo eslogan a su filme: "Hemos hecho una película tan sexy que sólo podemos enseñarte este dibujo", afirmaba, acompañando a un garabato de los actores y una cámara.

8. Coco: de la rebeldía a la leyenda de Chanel (A. Fontaine, 2009)

Censurado: París (Francia).

¿Por qué fue censurado? Tanta grandeur y tanto queso, y resulta que las autoridades francesas no respetan a un tesoro nacional como Audrey Tautou. El problema de este cartel era que mostraba a la actriz fumando, lo cual chocaba con las leyes que prohiben la publicidad del tabaco en espacios públicos: Métrobus, la sociedad municipal de transportes públicos, se negó a lucirlo en sus instalaciones.

Las consecuencias: Un póster de la película con otra foto de la actriz fue exhibido en las paradas parisinas de autobús y de metro.

9. Dying Breed (Jody Dwyer, 2008)

Censurado: Australia.

¿Por qué fue censurado? Básicamente, por dejar demasiado claro que la película a la que anunciaba pertenecía al género gore. En la isla de Tasmania, para ser más exactos. Advertimos que la legislación australiana sobre moral pública y censura es conocida por su pacatería, impidiendo aún hoy el estreno de filmes como Fóllame y Nekromantik 2 en la nación-continente.

Las consecuencias: Su exhibición fue prohibida en espacios públicos, pero no en el interior de los cines y en páginas web.

10. Vagina Dentata (M. Lichtenstein, 2007)

Censurado: Reino Unido.

¿Por qué fue censurado? Como solución gráfica para explicar la historia de su película (una chica adolescente desarrolla unos dientes castradores 'ahí abajo'), este cartel podría llevarse un premio. Pero también resultaba demasiado turbador, así que la distribuidora británica Momentum prefirió guardarlo bajo siete llaves tras haberlo encargado.

Las consecuencias: El póster nunca fue usado en los cines, y sólo salió a la luz gracias a una exclusiva de la revista Empire.

11. Teniente corrupto (W. Herzog, 2009)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? Pobre Nicolas Cage: tras largos años apareciendo en un bodrio tras otro, su primera película decente en mucho tiempo sufre los envites de la censura. La MPAA (sí, otra vez ellos) desautorizó la exhibición de este cartel porque mostraba al actor en pleno acto de violencia contra una persona de edad avanzada.

Las consecuencias: La película se comercializó con un nuevo cartel que mostraba los rostros de Cage y a Eva Mendes. Bueno para la promoción de la peli, malo para los espectadores que no sabían con qué iban a encontrarse...

12. Thirst (Park-Chan Wook, 2009)

Censurado: Corea del Sur.

¿Por qué fue censurado? El director de Oldboy promocionó esta película, sobre un sacerdote convertido en vampiro, con un póster no muy sutil, que (a juicio de los censores de su país natal) no sólo podría haber ofendido a los católicos coreanos, sino que también se saltaba la legislación local sobre los motivos sexuales en la publicidad.

Las consecuencias: El póster de Thirst acompañó a la película en su estreno internacional. El filme permanece inédito en España.

13. Ocurrió cerca de su casa (VV. AA., 1992)

Censurado: Bélgica.

¿Por qué fue censurado? Por si no fuese bastante con la antología de barrabasadas que contiene su historia (sobre un grupo de periodistas que siguen a un psicópata en su día a día), el filme que lanzó a la fama -o así- al genial Benôit Poelvoorde mostraba al asesino protagonista descerrajando un tiro sobre un bebé. Una escena que, todo sea dicho, no aparece en el filme.

Las consecuencias: En el póster belga, el polémico chupete fue reemplazado por una dentadura postiza. Como podéis comprobar por la imagen, el estreno español de la película respetó el cartel original.

14. Wanted (T. Bekmambetov, 2008)

Censurado: Reino Unido.

¿Por qué fue censurado? ¡Sorpresa, lectores! Un póster protagonizado por Angelina Jolie que no fue retirado de la circulación por las curvas de la señora de Pitt, sino por un exceso de pistolas. Las autoridades británicas consideraron que el cartel glorificaba el uso de las armas, y no consintieron su exhibición en los transportes públicos.

Las consecuencias: Ninguna: el póster fue retirado de la circulación, y aquí paz y después gloria.

15. Las leyes de la atracción (Roger Avary, 2002)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? Está claro que un filme basado en una novela de Brett Easton Ellis (American Psycho) y dirigido por el guionista de Pulp Fiction tenía que llamar por narices a la polémica. En esta ocasión, la MPAA alegó que el uso de peluches en posturas sexuales era improcedente, ya que podía resultar una mala influencia para los niños.

Las consecuencias: La película usó su cartel original en todo el mundo, salvo en EE UU. La web especializada IMP Award le otorgó el premio al "Póster más cachondo de 2002". "Es una chorrada, pero te partes de risa con él", afirmaron sus responsables.

16. Diario de una ninfómana (Christian Molina, 2008)

Censurado: Madrid (España).

¿Por qué fue censurado? El único ejemplo español de nuestro informe trajo bastante cola en su día, por más que ahora el escándalo esté casi olvidado. El consistorio madrileño se negó a exhibir el póster en las paradas de autobús dado lo explícito de su imagen, en principio, y después (en palabras del director Christian Molina) porque no le hacía gracia lucir la palabra "ninfómana" en las instalaciones municipales.

Las consecuencias: La cadena autonómica Telemadrid y la red de emisoras de radio COPE se sumaron al veto, rechazando emitir publicidad del filme en sus programaciones.

17. Lesbian Vampire Killers (Phil Claydon, 2009)

Censurado: Reino Unido.

¿Por qué fue censurado? Nos hallamos, lectores, ante otra víctima de las autoridades publicitarias británicas. Las cuales, en esta ocasión, alegaron que el título del filme (sí, ese mismo que recubre las glándulas mamarias de una señorita en actitud sugestiva) era "sexualmente ofensivo". ¿Se referían a las lesbianas, a los vampiros, o a los asesinos?

Las consecuencias: Al igual que en el caso de Wanted, una retirada a tiempo es una victoria.

18. El escándalo de Larry Flynt (Milos Forman, 1996)

Censurado: EE.UU.

¿Por qué fue censurado? "Tenemos que usar la autocensura para así no ofender a los conservadores". Según el director Milos Forman, estas fueron las palabras con las que Jack Valenti, presidente de la MPAA, le justificó en privado su veto sobre este cartel, biopic de un magnate del porno que jugaba (imprudentemente) con símbolos patrióticos, religiosos y sexuales.

Las consecuencias: El cartel fue empleado con normalidad en el resto de países, aunque en Francia suscitó polémicas por la imagen crucificada de Woody Harrelson. "Es irónico que una película sobre la libertad de expresión sea ella misma víctima de la censura", comentó Alan Isaacman, el abogado al que encarna Edward Norton en el filme.

Bored Panda ha recogido una serie de anuncios antiguos que hacen que la publicidad de hoy en día parezca totalmente inofensiva. Las alusiones sexistas, racistas y los comentarios ofensivos se mezclaban con mentiras en una pieza histórica a la que vale la pena echar un vistazo.

1. "Cuanto más duro trabaja una mujer, más bonita se hace". Después de que su marido le pregunta cuál es el secreto para hacer todo eso, la mujer dice: "Vitaminas, querido. Siempre tomo mis vitaminas".

2. Los hombres preguntan "¿es guapa?", no "¿es inteligente?"

3. Propaganda del jabón Fairy: "¿Por qué tu mamá no te lava con jabón Fairy?"

4. "Vamos a utilizar Chlorinol y seremos como el negro blanco".

5. "Cocaína. Desaparece el dolor de dientes. Cura instantánea".

6. "Mantenla en el lugar que se merece...".

7. "Coma con placer… y sin fatiga".

8. "Muéstrale que es un mundo de hombres".

9. "El Chef [La máquina] hace de todo menos cocinar. Para eso están las mujeres".

10. "Tenemos a los clientes más jóvenes del negocio".

11. "Para empezar mejor en la vida, empieza Cola antes".

12. Luego de que la mujer quema la cena, el marido responde: "No te preocupes querida, no quemaste la cerveza".

13. "¡Los hombres son mejores que las mujeres!" Dice la frase en grande. Y continúa: "En casa, las mujeres son útiles – incluso agradables…" y por ahí va el asunto.

14. "Si su marido descubre que no está probando el café más fresco…".

15. "Los médicos fuman Camels más que cualquier otro cigarrillo."

16. "Cuanto más juegas con él, más duro se hace".​

17. "Sóplale en la cara y ella te seguirá a cualquier parte".

18. "Comienza temprano, aféitate a ti mismo".

19. Las letras pequeñas no son fáciles de ver, pero la imagen y la frase "Es bueno tener una chica en casa", lo dicen todo.

20. Anuncio de un suavizante de piel. "Porque la inocencia es más sensual de lo que piensas".

21. Papa Noel fumando.

22. "Feliz Navidad para todos los fumadores".

23. ¿Siempre es ilegal matar a una mujer?

24. "Algo que hacer con tus manos que no te dejará ciego".

Hazte con una y empieza a publicar mensajes de estado con tus vecinos, eso si, ¡en el césped!

Diseñadores: Prof. Doh Han Young, Jeong Hee y Koo Kim Min Hong.

Se considera una pintora y le resulta difícil no catalogar a estos retratos bordados como pinturas, aunque el medio empleado diste mucho de ellas. El material con el que trabaja no es otro que la lana, que va simulando la sensación de manchas de pigmento a lo largo y ancho del lienzo.

Cayce Zavaglia y sus bordados

Al principio le resultó frustrante el hecho de tener que trabajar con colores preestablecidos muy limitados, pero poco a poco se fue haciendo con una técnica que le permitía simular un determinado tono.

Si observamos con detenimiento las imágenes creadas veremos que juega con el hilo de lana como si se tratase de un lápiz. El hilo no se sitúa en una única dirección, sino que varía su orientación en función del área a representar. En el retrato de la mujer madura, por ejemplo, tan sólo en la zona del cuello de la camiseta vemos una sucesión de líneas paralelas.

El proceso de creación comienza por la fotografía. Cayce suele sacar entre unas 100 y 150 fotografías por cada retrato, de las que posteriormente selecciona la mejor imagen que pasará a la lona. En ella trabaja con un hilo de bordar sobre tela de lino belga para crear cuadros que no son más grandes de los 20 x 25 cm.

Es realmente difícil pensar en que estos rostros están hechos con hilos, y que cada tono se corresponde con una línea nueva. La riqueza cromática de las imágenes provocan real admiración por esta apasionada de la artesanía, cuyo trabajo entraría en el concepto de pintura expandida.

De vez en cuando no está mal echarle un vistazo a las creaciones de verdaderos genios del diseño, para beber de fuentes de calidad y que se nos quede en el subconsciente algo de tan buenas composiciones.

En estos carteles hay variedad en cuanto a la procedencia de sus creadores, al soporte utilizado, el uso del color, la presencia de la tipografía, la composición… Como ejercicio para fomentar la creatividad y el surgimiento de ideas nuevas, es bueno plantearse aquellos conceptos que asociamos de forma inconsciente.

Thijs Verbeek

Nacido en 1978, vive y trabaja en Amsterdam. No es necesario tener un ordenador para poder diseñar. Así se nos muestra en el poster experimental de la letra K, en la que tan solo unas pinzas sirven para trazar la tipografía que bien podría ser el título de una película, libro o evento.

Les Produits de L’épicerie

Estudio de diseño gráfico creado en el 2003 en el norte de Francia que centra su trabajo en el ámbito de la cultura. Llama la atención la delicadeza del fotomontaje de "La rose des vents", cuya composición central parece volar de forma frágil sobre el fondo negro.

Sagmeister & Walsh

Firma de diseño formada por Stefan Sagmeister y Jessica Walsh, establecida en Nueva York que crea identidades, webs, aplicaciones, películas, libros y objetos para clientes. Vemos, por ejemplo, alcuerpo como soporte del propio cartel. A la tipografía caligrafiada, informal e improvisada, en lugar de la tipografía digital más común presente en la cartelería de hoy.

Quim Marin

Diseñador con base en Barcelona. En cuanto a sus carteles, me gusta especialmente el de ob/sessions por el tratamiento de la fotografía utilizada. Hoy en día, con lo obsesionados que parecemos estar por la alta definición, una imagen con tramado puntillista parece tener el poder de trasladarnos en el tiempo…

Ebrahim Poustinchi

Diseñador iraní nacido en 1988 con formación en arquitectura y bellas artes. Destacaría especialmente el que la tipografía, en el primer cartel, acompañe la disposición de cada elemento que conforma la arquitectura presente.

Acapulco

Estudio de diseño gráfico joven y pequeño establecidos en Warsaw. Las letras configuran la imagen que da fuerza a este cartel.

1. Solipsist

Este cortometraje, ganador en el 2012 del premio especial del jurado a mejor corto experimental, es una mezcla entre danza y animación stop motion. Podemos ver cómo los cuerpos en movimiento son intervenidos por hilos, lanas, telas y arena, para crear una muestra de obras vivas.

Andrew Huang, su creador, quien también ha hecho vídeos para Björk, Sigur Rós y Atoms for Peace, hizo este cortometraje grabando piezas hechas con telas dentro de acuarios sobre un croma, para después montarlas, digitalmente, sobre las personas del vídeo.

2. A short love story

Una historia de dos aves dibujadas con lápiz que se escapan del dibujo de una niña para llevarnos por la vida con la que ella sueña.

La técnica utilizada fue stop motion, mezclando algo de post producción digital. La mayoría de elementos que vemos en la animación son hechos a mano, para tener una apariencia más orgánic y alejarse de la perfección y frialdad de las imágenes generadas por ordenador.

Los personajes de este corto dejan ver la calidad de la producción y el cuidado en el detalle: tienen en su interior esqueletos hechos en alambre y madera que después fueron cubiertos con papel y porcelana fría.

3. Logorama

Logorama fue presentado en el festival de Cannes del año 2009, fue el ganador en la categoría mejor corto animado en los premios Oscar 2010 y abrió el festival de cine de Sundance en el mismo año.

Este cortometraje presenta una ciudad en la que todos los escenarios, personajes, construcciones y demás elementos, son logos y mascotas de grandes marcas y empresas de todo el mundo. Cuenta la historia de la persecución policial a Ronald McDonald.

Está producido completamente en animación 3D por el estudio de diseño francés H5.

4. Bottle

Bottle es una sencilla y bonita historia que ocurre a dos lados del océano, en la que dos criaturas se comunican por medio de botellas que lanzan al mar.

Todo el cortometraje está hecho en stop motion con elementos naturales fotografiados en locación, a excepción de las escenas submarinas, que fueron grabadas en un acuario sobre un croma. Luego todo fue animado con ordenador.

Aunque este parezca un cortometraje sencillo, el stop motion es una técnica que requiere mucha paciencia y tiempo, por lo que es de destacar que su realizadora se haya encargado de todas las tareas en la producción.

5. Gulp

El último cortometraje de la lista fue realizado por Aardman, la compañía detrás de Wallace & Gromit, la agencia de publicidad Wieden+Kennedy y Nokia para promocionar el teléfono N8. La idea era crear una animación en stop motion utilizando la cámara de 12MP de este teléfono, y gracias a esto rompieron el récord mundial al set de animación stop motion más grande del mundo.

Este corto es la historia de un pescador que llega a un lugar muy recóndito del mar. Para su realización fue necesario poner tres teléfonos sobre una grúa, para poder elevarlos 36 metros sobre la superficie y capturar el área de 42 x 24 metros en la que se hizo la animación.

Así que ya sabes, el veranito está a la vuelta de la esquina, es momento de playa y piscina, podrás disfrutar de estás actividades sin estar pensando: ¿me habrá llamado alguien? ¿Algún mensaje? Pégate un chapuzón con FIT envuelto alrededor de tu dedo.

Q1 se basa en la estructura esférica con una carcasa delgada de Richard Buckminster Fuller, que se utiliza para la creación de cúpulas geodésicas. Como es sabido, tales cúpulas tienen alta capacidad de carga.

La silla Q1 como cúpula geodésica, puede soportar cargas pesadas, sin dejar de ser visualmente maravillosa. El interior de la silla se ha tapizado con fieltro para mantener el calor. Las partes blandas están hechas de chenille con sustrato de flocado. Para el relleno se ha utilizado Hollowfiber®, un material sintético amigable con el medio ambiente capaz de mantener su forma, a diferencia de los rellenos clásicos.

La forma esférica de la silla proporciona un ajuste cómodo y natural y su apariencia lo hace versátil quedando bien tanto en interiores públicos como domésticos.

Su precio es de aproximadamente 670 €.

Así que ya sabéis, si se os presenta un evento importante, ¡esta es una buena idea para regalar!

Juvenil y alegre, esta serie de mobiliario encaja en cualquier estancia del hogar en búsqueda de un poco de alegría.

A través de gráficos informativos con sello propio la diseñadora gráfica Gemma Warriner ha creado una serie de etiquetas que resaltan un área particular del proceso de producción y su impacto mínimo sobre el medioambiente.

Conscientemente materializadas, las etiquetas han sido troqueladas e imprimidas en determinados puntos que crean una interactividad con el usuario. A medida que se consume el producto además las formas que alguna vez fueron parte de las infografías desaparecen, mostrando los resultados positivos de la práctica sostenible del viñedo.

HTML5, CSS3 y Javascript.

Lejos están las épocas donde hablabamos de cómo iniciar con HTML5, la promesa de lo que traía o si algún día vendría. Internet Explorer 8 o inferior es usado por tan pocas personas (mira tus Analytics del último mes) y los smartphones son tan úbicuos que aprender y dominar estas tecnologías es urgente.

Javascript en especial es un caso único. JSON desbancó a XML y las capacidades interactivas y velocidad de JS han crecido a pasos agigantados. Más ahora que gracias a Node.js, JS existe del lado del server. Es hora de dejar de limitar tu mente a jQuery (que no es nada malo) y expandirte al mundo de los objetos, Closures, sockets y si te aburres, del Shadow DOM.

Bases de datos no relacionales (MongoDB, Redis).

MySQL, PostgreSQL y hasta Oracle siguen muy vivos, pero la necesidad de alta escalabilidad a bajo costo y las apps de rápido cambio han hecho que las bases de datos NoSQL estén en todas partes.

Además son mucho más divertidas para programar.

Redis brilla en velocidad e interconexión entre lenguajes y sistemas, mientras que MongoDB es ideal para proyectos real-time de alta escritura, estructura de datos variable y baja densidad de datos. Además es nativa JSON y Javascript.

Usabilidad y User Experience.

UX y usabilidad son conceptos clave para unir el diseño y la programación. Es el lenguaje de comunicación con el que se hila la experiencia del usuario con la automatización técnica de una app. Todas las personas que hagan algo interactivo, aunque estén en el backend, deberían saber usabilidad.

¿Sabes que es un test A/B? ¿Entiendes el flujo de interacción? ¿Sabes medir conversión, tuneles de comportamiento, entrada y salida de usuarios? ¿Estás analizando donde falla tu app? ¿Tienes pruebas en tus proyectos en múltiples tipos de entornos, pantallas y condiciones?

Si haces una app móvil ¿La pruebas al sol?

Aprende en el 2014

Laravel o Symfony (si te gusta PHP).

PHP ha sufrido. Como lenguaje es una tormenta de malas decisiones pegadas juntas por lo fácil que es hacer deploy. El interés está más bajo que nunca, pero muchos entes están luchando por devolver a PHP el profesionalismo y nivel que merece.

Un excelente framework es Laravel. Que trae a PHP el orden que otros han intentado y fallado (como Zend con su estilo Java) pero manteniendose tan simple y directo como PHP siempre ha sido.

Si Laravel no te suena y el ser un poco más estricto es lo tuyo, Symfony está muy bien también. Sólo no busques frameworks que intenten convertir a PHP en otra cosa (Cake, Zend, CI). El éxito de Laravel y Symfony está en respetar las fortalezas de PHP y solucionar sus debiles bases.

Node.js

Node.js es un entorno de programación en la capa del servidor basado en el lenguaje de programación Javascript, con I/O de datos en una arquitectura orientada a eventos y basado en el motor Javascript V8.

Node.js ahora tiene su propio CMS, Ghost. Controla robots. Controla Uber, que revolucionó el mundo del transporte humano. Microsoft lo ama. Adobe lo ama. Apple lo ama. Google lo ama. Node.js (Javascript del lado del server) es mágico y no necesitas convencerte.

Angular.js, Backbone.js o similares.

JSON domina la interacción cliente/servidor moderna y este año se consolidaron los frameworks MVC del lado del cliente para Javascript. Backbone.js yAngular.js hacen fácil crear sitios múlti-pagina con URLs profundas conectadas a un backend complejo. Y gracias a Google y sus cambios de algoritmo, no afecta casi nada el SEO.

Marketing online (de verdad).

Muchos escuchan "marketing online" y piensan "community manager", una carrera que nació muerta. El verdadero marketing online es algo que todas las personas que crean en la web deberían conocer.

Entender el SEO de una manera técnica, medir con estadísticas los datos de una campaña, saber gráficar y analizar CPC, CPM, CTR, CRO. Conocer la ruta de las cookies y hacer remarketing. Decidir cómo invertir presupuestos, qué tipo de tráfico existe y donde ponerlo. Crear estrategias de contenido e inbound marketing más allá de "un evento y un blog".

Marketing online es una carrera muy real, de estrategas digitales, rodeada de datos complejos y nada de humo.

¿Quieres aprenderlos a diferenciar? Toda campaña de marketing debe ser 100% medible, si no, es humo.

Así este set, que nos invita a ver y participar en el proceso de hacer café de forma clásica, se constituye de materiales nobles como la cerámica y la madera, pero claramente inspirado por el diseño escandinavo y japonés.

Un resultado atractivo actualiza la antigua forma de hacer café, haciéndole una experiencia única para vivir junto a tus invitados.

Ahora imaginemos que esta sartén y esta estufa solo sirven para fritar huevos … Por algo parecido tienen que pasar los neurocientíficos para realizar sus estudios: deben ser ingenieros de hardware para crear, ellos mismos, los dispositivos y aparatos que les servirán para estudiar el cerebro de acuerdo a lo que necesiten descubrir.

Y lo peor es que la vida útil de estos equipos termina cuando se haya alcanzado el objetivo del estudio. Es decir, gastan mucho tiempo desarrollando dispositivos que usarán una sola vez. Partiendo de este problema nace Open Ephys, un sitio web para compartir diseños y especificaciones de hardware de código abierto para investigaciones neurocientíficas.

En este sitio los neurocientíficos pueden encontrar y aportar instrucciones y diagramas para construir hardware de código abierto que ha sido utilizado en otras investigaciones. De esta forma se comparten soluciones que ahorrarán tiempo valioso, que anteriormente se utilizaba en el desarrollo de equipos muy específicos. Ahora, por tener acceso a varios dispositivos de código abierto, los científicos pueden encontrar un equipo que sirva para sus investigaciones, o modificar alguno para que se acomode a sus objetivos.

Sus creadores, Joshua Siegle y Jakob Voigts, dos investigadores del laboratorio Moore de la universidad de Brown, buscan con este sitio generar conciencia sobre cómo el código abierto elimina la redundancia, reduce costos y aumenta la productividad en las investigaciones. La idea surgió hace tres años, cuando los dos científicos estaban investigando la actividad en el hipocampo y la corteza cerebral de ratones y gastaron casi medio año buscando las herramientas que les permitieran registrar las señales eléctricas que venían del cerebro, pero ninguna era lo suficientemente adecuada. Entonces, en vez de crear una nueva herramienta que fuera tan específica que solo sirviera para su estudio, decidieron iniciar un proceso de creación en línea, recogiendo retroalimentación de una comunidad de neurocientíficos mucho más amplia. De esta forma, su nuevo dispositivo podría responder a diferentes necesidades investigativas.

Cada uno de los proyectos publicados cuenta con una descripción, imágenes y links para descargar los diagramas. También tiene dos datos que me parecieron muy importantes: el tiempo de construcción y el costo de los materiales.

Además han creado una wiki muy completa para manejar toda la documentación, información e instrucciones de sus dispositivos. Todos los neurocientíficos que deseen colaborar a que esta wiki crezca con sus desarrollos pueden suscribirse en este link ya que, como dicen ellos, las soluciones y los problemas que se presentan en cada laboratorio son un poco diferentes.

Aunque podemos ver este proyecto como algo que ayuda en la productividad y el ahorro de tiempo en los procesos investigativos, yo prefiero pensar que es una muestra de lo más lindo que tiene Internet, y es que nos une, nos conecta para compartir información útil que hace nuestras vidas más sencillas. Es gracias a este tipo de iniciativas que podemos conocer mucho más acerca del mundo en el que vivimos.

El panorama en el que vivimos es el de un mundo conectado, en el que se generan millones de datos por segundo a través de aplicaciones, redes sociales, blogs, foros, entre muchos otros sistemas.

La lluvia de información trae tantas soluciones como problemas a nuestras vidas, pero muchos más a las personas que tienen que mantener la información de una manera legible para los humanos, por lo tanto entender las bases de datos como tan solo un almacén es un grave error en el que podemos estar incurriendo ahora mismo.

El mundo conectado

Hace 20 años era fácil vivir sin un teléfono móvil, sin una cuenta de correo electrónico, sin acceder a Internet. Hoy en día esa desconexión es casi impensable por la misma dinámica del sistema globalizado: la familia, amigos, las empresas, los institutos usan redes sociales; las universidades utilizan sistemas de e-learning, muchas empresas utilizan sistemas de gestión para muchos de sus procesos, los bancos apoyan el comercio electrónico, mercados financieros y muchas otras actividades que demuestran que la dinámica está cambiando hacia el acceso a todos los servicios a través de Internet, incluso se piensa en el futuro sobre medicina a distancia y objetos conectados entre objetos (The Internet of Things).

Esto parece una consecuencia de la hiperconexión; como efecto colateral se generan datos que son almacenados en grandes repositorios de datos de los proveedores de servicios, los ISPs y, porque no, la NSA.

La situación actual de los sistemas de bases de datos

Existen dos fuertes movimientos en el universo de las bases de datos: uno es el movimiento “SQL” y otro el movimiento “NoSQL”, ambos con sus pros y contras.

A las bases de datos SQL también se les llama bases de datos relacionales, son las que más se estudian en las carreras universitarias relacionadas con la informática, han servido mucho para hacer aplicaciones transaccionales en las que mantener y proteger la integridad de la información es vital.

Por otro lado tenemos las “NoSQL” , acrónimo de Not Only SQL, que aboga más por la evolución de Internet; no es exactamente un tipo de base de datos, sino un conjunto de tipos de bases de datos, por ejemplo, con las bases de datos documentales que son las más conocidas, se podría hacer prácticamente todo lo que se hace actualmente con una relacional. Cabe destacar que en NoSQL no existe ACID (Atomicity, Consistency, Isolation, Durability) como en las bases de datos relacionales, pero existe algo llamado BASE (Basic Availability, Soft State, Eventual Consistency) que da características para el manejo de datos.

En la mayoría de los sistemas se usan bases de datos relacionales, por ser las más tradicionales y las que más se conocen. Muchos de los grandes sitios como Facebook, Twitter, Google y Yahoo se han cimentado en MySQL o PostgreSQL, pero en los últimos años se han dado cuenta de que esto no es suficiente y se originó la llamada "Guerra de las bases de datos".

Algunos de los protagonistas de esta guerra son empresas y organizaciones muy conocidas: Facebook, Apache, 10gen, LinkedIn. Aunque muchos servicios empiezan a usar NoSQL hay otros que son dependientes de SQL: el cambio implicaría un costo enorme. Una de esas empresas es Twitter: emplea tanto SQL como NoSQL en sus sistemas, con lo que se demuestra que ambas pueden convivir perfectamente.

SQL como el pasado de las bases de datos

Las bases de datos relacionales son muy utilizadas actualmente, pero empiezan a ser insuficientes respecto a la forma de almacenamiento de información en Internet, con lo que se generan cuellos de botella y estructuras muy rígidas que impiden un crecimiento constante, a la par con las fuentes de datos.

Hay personas tratando de mantener la llama encendida, como el proyecto MariaDB (el famoso fork de MySQL) que ha introducido el motor de Cassandra (una base de datos NoSQL) demostrando que muchas personas apuestan por la interoperabilidad de SQL y NoSQL.

NoSQL como el futuro

Hablar hoy de NoSQL como el futuro de los sistemas de bases de datos puede sonar un poco apresurado, pero hay movimientos importantes: el notable afán de Facebook por crear motores de bases de datos como Cassandra y RocksDB, y el uso de NoSQL en otras redes sociales como Twitter y Linkedin, que indican que todo apunta hacia servicios que usen repositorios datos con NoSQL únicamente.

Pero hay dos problemas que retrasan este hecho. El primero es la resistencia al cambio pues se piensa que los motores de bases de datos no pueden resolver muchos problemas de la vida real (cabe señalar que la mayoría de los proyectos no usan ni el 50% de las bondades que ofrece SQL), un ejemplo concreto radica en los nuevos desarrollos, muchos piensan que con NoSQL no se garantiza la integridad de los datos, o la consistencia, pero hay métodos para poder hacer esto con bases de datos documentales por nombrar alguna.

El segundo gran problema es la diversidad de tipos de NoSQL que existen: clave/valor, documentos, grafos, tabular, entre otras. Las personas se confunden y abruman al tener que decidir cuál usar. Esa elección puede ser errada. Siempre será una apuesta muy fuerte saber si tu proyecto se alineará adecuadamente con el tipo de base de datos que se ha elegido.

Para hacer esta elección es recomendable tener claro lo siguiente:

1. Qué tipo de proyecto se hará, si es para Internet o para el uso en intranet.
2. Cuál es la cantidad esperada de usuarios y si muchas de las funciones deben hacer uso de las transacciones complejas, o si, de lo contrario son escrituras y lecturas manejadas desde el software.
3. Qué tecnología se va a usar para el desarrollo (si usa Django por ejemplo, lo recomendable es usar BD Relacional, ya que es más natural el manejo de los datos en aplicaciones hechas en ese framework).
   

Derrumbando un gran mito

Existe un gran mito, muy difundido entre los PRO-SQL, y es que piensan que "en bases de datos NoSQL no existen estructuras". Pero no, en NoSQ, existen estructuras, que las estructuras son más flexibles en comparación a SQL ya es otra cosa y de aquí nace el término schema-free.

• Hacer "branding sobre el branding" es algo que cada vez está más en auge en las empresas más importantes. "Caer bien" y hacer que la gente se sienta cada vez más involucrada en los proyectos, ideas y decisiones.
• Los diseños planos y sencillos llenos pero llenos de color es algo que veremos en numerosas marcas. Lo austero y monocromático es algo fuera de moda. Con la entrada de iOS 7, la revolución del color está a la orden del día.
• Adaptarse a los nuevos dispositivos con responsive design es algo que lleva haciéndose desde el año anterior para acomodarse a las nuevas tecnologías.
• El branding turístico también está en crecimiento en los lugares menos emblemáticos. Las ciudades buscarán como crearse una propia marca para darse a conocer.
• La simplicidad gana por goleada a la complejidad. En un contexto donde los productos cada vez son más inteligentes, se busca una comunicación sencilla, concisa y clara valiéndose de múltiples recursos visuales.
• Observando la gran popularidad que han tenido los videos de Vine, lo que funciona este año son las microhistorias de 5-7 segundos antes que los largos videos con mucho contenido.
• Los logotipos empezarán a tener profundidad y dejarán de ser planos, pero cumpliendo con los principios de sencillez y resultando brillantes y llamativos.
• Los modelos serán personas reales, comunes y corrientes. De todas las edades, de todas las tribus urbanas y de cualquier raza. Los prototipos de mujeres perfectas y hombres exitosos están fuera de lugar. Los retoques excesivos también.
• La innovación digital es la clave del éxito de cualquier marca. Ya sea en sus productos, eventos, o soportes comunicativos.
• La impresión en 3D es algo que existe desde hace pocos años, pero será el foco de atención de este año.
• Los "padrazos" de verdad, los que no son perfectos pero les encanta ensuciarse con sus hijos serán las estrellas de cualquier emotivo spot.
• El resplandor en el objetivo ya no se considera un error. El exceso de luminosidad otorga un aire más real, natural y libre en nuestras fotografías.
• Los modelos étnicos inspiran a una publicidad más mundial, sin ningún tipo de discriminación. Vivimos en un mundo cada vez más globalizado y con fronteras más estrechas, el reflejo se verá en la publicidad.
• Despidámonos de los vampiros, estos seres fantásticos ya pertenecen a otra época. ¿Y ahora? La brujería es la nueva moda.
• Los vectores artesanales. Esos dibujos que parecen esbozos sin acabar dan una percepción más realista y natural que los increíbles diseños digitales.
• Ofrecer experiencias. La gente desea vivir, no comprar. Los productos deben comportar algún tipo de experiencia, aunque sea tan solo sensorial.
• Los colores pasteles, con un toque retro. Sin dejar de ser llamativos, los colores que aporten tranquilidad y no urgencia impregnarán todos los futuros diseños.

Estos son los principales rasgos que definirán la nueva tendencia de diseño gráfico en 2014.

¡Empápate de ellos y no dejes que tu marca pase de moda!